LA COMPOSICIÓN EN OBRAS DE ARTE
La zona de mayor peso visual se encuentra en la esquina inferior derecha, la virgen, seguido de esto, el recorrido visual llega hasta los apóstoles situados en la zona izquierda en penumbra, pasando por Maria Magdalena.
La obra presenta cierta inestabilidad ya que la zona de mayor peso visual se encuentra a la derecha.
Según la relación figura – fondo,
presenta mayor importancia la virgen, la
cual es bañada por una luz dura que llega desde el ángulo superior izquierdo,
contribuyendo tanto a la sobriedad como al dramatismo de la obra.
La luz, es un factor muy
importante en esta obra, se ilumina aquello que se quiere mostrar, quedando en
penumbra el resto de la escena (Tenebrismo). La luz aporta volumen a las
figuras y da profundidad a la escena.
La composición es diagonal, originada desde el
rostro de la virgen, situada en un plano oblicuo. Los elementos que crean esta
composición son; la luz, los personajes dispuestos en escala y el cortinaje.
Respecto a su iconicidad, según
la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
Los colores empleados son rojos y
ocres aunque también verde, color complementario del rojo. Estos contrastan con
las zonas en penumbra.
La textura es táctil, natural y
orgánica.
La lección de anatomía del doctor Nicolaes
Tulp, Rembrandt
La obra se presenta en un formato horizontal transmitiendo
calma y estabilidad, también crea un efecto de orden en los elementos.
El recorrido visual se inicia con el cadáver, el gran foco de atención debido a su
posición en primer plano y a su brillo. Desde él, el recorrido continua
elevándose a las cabezas iluminadas de los aislantes, cuyas expresiones
reflejan diferentes grados y puntos de atención, y después, a la cara y manos
del Dr. Tulp.
La imagen presenta una composición triangular, donde todos los
representados tienen las
mismas dimensiones.
La luz es irreal y
artificiosa, procede de arriba, lo que realza la frialdad del cadáver y interés que muestran los asistentes.
El claroscuro da
emoción a la escena y da a las figuras un carácter escultórico, sin llegar a ser tenebrismo.
El rojo del brazo
diseccionado resalta notablemente en una composición dominada por los colores blanco y negro de las ropas.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles
ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
La textura es táctil, natural y orgánica.
La profundidad se ve favorecida por el cadáver.
Tondo Doni, Miguel Ángel Buonarroti
La
obra se presenta en un formato circular, creando una
composición con fuerza y movimiento donde las figuras conquistan por completo
el espacio.
El punto de intereses es
la escena principal, en primer plano, la Virgen María cogiendo
o entregando el niño a José (Escorzo muy exagerado)
La luz es dura, proviene
del lateral izquierdo e impacta en las figuras. Predominan los tonos ocres,
seguidos de verdes y azules con un poco de saturación.
La estructura es
pentagonal, inscrita al formato circular, mostrando la dirección de las líneas
maestras de las que el artista se sirvió para organizar la composición.
Respecto a su iconicidad, según la
escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista
La textura es táctil,
natural y orgánica.
La adoración de los Reyes Magos, Rubens
Con respecto a la iconicidad, según la escala de Abraham Moles, ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista
La adoración de los Reyes Magos, Rubens
La obra barroca se presenta en un formato horizontal, en la que se transmite una sensación de movimiento y alboroto debido a las figuras ampulosas con unas posturas retorcidas y marcados escorzos y debido también a que el punto de mayor interés se encuentra en una esquina y no en el centro.
El punto de interés de la obra es el niño, que es el que tiene mayor peso visual, ya que se encuentra situado en la parte inferior del cuadro. Está remarcado por una luz que emana de él. Esta luz, a su vez, ilumina toda la escena, que está ambientada de noche. La luz es algo muy importante en esta obra, ya que se utiliza para dar profundidad, iluminando así a los personajes que se encuentran más cerca del niño y dejando en penumbra o sombreando aquellos que se encuentran más alejados de él.
Los colores empleados son: colores cálidos y un poco más saturados en las zonas o los personajes que más cerca están del niño (ya que están iluminados por una luz cálida) destacando los ocres, marrones y sobre todo el rojo (túnica, detalles de las telas) y los colores fríos, oscuros y menos saturados cuanto más lejos están del foco de luz, destacando los grises, negros y azules.
El color ayuda también a marcar la profundidad, ya que los colores oscuros representan las zonas más alejadas como el paisaje del fondo o los personajes situados más al fondo.
La composición es en diagonal y descendente, originada en la esquina superior derecha y terminando en el niño, que se encuentra en el lateral inferior izquierdo.
Los elementos que crean esta composición son la luz, el color (ambos ayudan a crear la profundidad de la escena) y los personajes dispuestos en escala, que se van situando más bajos cuanto más cerca están del niño, que se encuentra en la esquina inferior.
Con respecto a la iconicidad, según la escala de Abraham Moles, ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
Cristo crucificado, Velázquez
La obra barroca se presenta en un formato vertical, en la que la figura se encuentra colocada totalmente en el centro, en una cruz transmitiendo así una sensación de equilibrio. Es un formato propio de temas religiosos ya que potencia el sentido de elevación y espiritualidad.
El punto de interés de la obra es la figura, y de esta, la cabeza, que está remarcada por una luz que emana de él. La luz es algo muy importante en esta obra, ya que se utiliza para destacar lo más importante de la escena, que es el cuerpo del Cristo. Se usa también para dar volumen, dejando algunas zonas en sombras, como la axila, la parte del cuello y el rostro o incluso la propia sombra de la figura sobre el fondo oscuro.
En este cuadro, el color también se utiliza para dar importancia: en el cuerpo se utiliza un tono de piel muy claro y luminoso que contrasta sobe un fondo muy oscuro y simple, que no llama la atención (típico en Velázquez). Esto se trataría de una de las leyes de la Gestalt: el principio de figura y fondo, en el que la figura destaca sobre el fondo ya sea por su textura, color o luminosidad.
El esquema compositivo que sigue es en forma de T. También podemos observar que se produce una composición por simetría axial, ya que se produce un eje imaginario situado en la mitad del soporte. El peso de los signos visuales a cada uno de los lados es el mismo, y es por eso que transmite sensación de equilibrio.
La textura también se utiliza para dar contraste: la textura del paño de la cintura, la textura del pelo o la de la corona de espina contrastan todas con la textura suave y lisa de la piel. Todas estas texturas se tratarían de texturas táctiles, ya que se pueden observar con la vista pero también con el tacto.
Los elementos que crean esta composición son la luz, el color y también, la forma, que es la que presenta el esquema en T y también presenta la simetría radial.Con respecto a la iconicidad, según la escala de Abraham Moles, ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista
La cena de Emaus, Caravaggio
La obra barroca se presenta en un formato horizontal, transmitiendo una sensación de un poco de alboroto marcada por los escorzos, que a su vez también transmiten sensación de profundidad.
El punto de interés de la obra es Jesús, que aparece en el centro de la composición. Destaca principalmente por la luminosidad que presentan su rostro y el paño que lleva sobre su hombro, además del color rojo de la túnica, que destaca sobre los negros y marrones del resto de la obra. La luz, es un factor muy importante en esta obra: se ilumina aquello que se quiere mostrar, quedando en penumbra el resto de la escena (Tenebrismo). La luz aporta volumen a las figuras y da profundidad a la escena.
La escena está bañada por una luz dura que llega desde el ángulo superior izquierdo, contribuyendo tanto a la sobriedad como al dramatismo de la obra.
Los colores empleados en la obra son principalmente colores cálidos y oscuros, como los ocres marrones, negros…, aunque también destacan la luminosidad de los colores que poseen los paños blancos o el rostro de Jesús.
La composición es diagonal y descendente, originada desde el rostro de la figura que se encuentra de pie a la izquierda. Los elementos que crean esta composición son: la luz y los personajes dispuestos en escala.
La textura es táctil, natural y orgánica.
Respecto a su iconicidad, según la escala de Abraham Moles ocupa el nivel 6, ya que es una pintura realista.
El descendimiento de la Cruz.
En esta imagen hablaremos del "Descendimiento" de Roger Van Der Weyden, el cuál podemos encontrarlo en el Museo del Prado. Fue pintado hacia 1435, en óleo sobre tabla.
Van Der Weyden, es uno de los principales maestros del momento. Se puede decir que es el pintor del dolor, ya que se preocupa por los sentimientos, evitando el hieratismo que tan acostumbrado nos tienen otros artistas del momento. El tema seleccionado por el artista es idóneo, ya que le permite la exaltación de emociones, y, donde mejor que en la escena del descendimiento de Jesucristo de la Cruz, en brazos de José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante; mientras la Virgen María cae desmayada sostenida por San Juan y una de las santas mujeres.
El nacimiento de Venus
En esta imagen hablaremos del "Descendimiento" de Roger Van Der Weyden, el cuál podemos encontrarlo en el Museo del Prado. Fue pintado hacia 1435, en óleo sobre tabla.
Van Der Weyden, es uno de los principales maestros del momento. Se puede decir que es el pintor del dolor, ya que se preocupa por los sentimientos, evitando el hieratismo que tan acostumbrado nos tienen otros artistas del momento. El tema seleccionado por el artista es idóneo, ya que le permite la exaltación de emociones, y, donde mejor que en la escena del descendimiento de Jesucristo de la Cruz, en brazos de José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante; mientras la Virgen María cae desmayada sostenida por San Juan y una de las santas mujeres.
En la composición de la obra, la horizontalidad queda recortada por la verticalidad tajante de la cruz, además la organización y corte de la tabla nos recuerda a los trípticos (unidos por bisagras) que se comenzaron a hacer en esaépoca. composición queda cerrada por María Magdalena y San Juan Bautista, con movimientos contrarios y complementarios, que enmarcan toda la escena. Las figuras principales en esta obra, no son otras que el cuerpo de Cristo y el de la Virgen María desmayada ante esta situación. Van der Weyden establece dos diagonales que nos ayudan a crear un paralelismo entre ambos cuerpos. Aunque los dos se encuentran en la misma posición (con forma de flecha y en diagonal), podemos ver perfectamente cuál representa la vida y cuál la muerte.Por último, resaltamos la iconografía de la calavera situada en el suelo, como símbolo de la idea de la muerte. La técnica que el autor emplea es minuciosa ya que tiene un dibujo con finas líneas que delimitan las formas y una riqueza cromática realmente excepcional. donde predominan el rojo de la túnica de san Juan, el verde de una de las mujeres y el azul de la Virgen así como la riqueza en el estofado de oro que decora el manto de Nicodemo. Las ropas son abundantes, cayendo en forma de plegados quebrados tan característicos de la escuela y que crean efectos de claroscuro de gran belleza.
El nacimiento de Venus
"El nacimiento de Venus", realizado en témpera sobre lienzo por el pintor Sandro Botticelli en 1485. Se trata, por lo tanto, de una obra pictórica representativa del Renacimiento italiano, concretamente del período del Quatrocentto.El cuadro se compone de cuatro figuras, tres femeninas y una masculina. El centro de la composición está ocupado por una figura femenina desnuda que identificamos con Venus. Ésta ocupa el eje central imaginario de un triangulo formado por dos diagonales creadas a nuestra derecha por otra figura femenina, posiblemente Flora, como podríamos deducir de su cinturón de rosas, o una de las Horas, vestida con túnica floreada y que parece avanzar hacia la diosa con un manto que ondea en dirección opuesta al avance de la joven, por el impulso del viento que soplan las dos figuras del la opuesto, una masculina y otra femenina que identificamos como los vientos Céfiro y Aura. La escena se sitúa en un paisaje formado por el mar de color turquesa y una orilla con prados y algunos árboles situados a nuestra derecha. Se trata de un paisaje idealizado acorde con el conjunto de la escena.
Respecto a la técnica, predomina el dibujo con unas líneas precisas que limitan los contornos de las figuras, ropas y paisaje. Sin embargo, toda la composición se caracteriza por la utilización de líneas sinuosas, como el propio cuerpo de Venus que adopta la clásica postura del contrapposto. Esta postura, por la cual la joven diosa deja caer peso de su cuerpo sobre la pierna izquierda mientras que flexiona y retocede la izquierda, se inspira directamente en la estatuaria griega, si bien, en el caso de esta figura todo el peso se desplaza hacia nuestra derecha, lo que genera la sensación de liviandad como si se desplazara sobre las olas en dirección a la orilla.
Respecto a la técnica, predomina el dibujo con unas líneas precisas que limitan los contornos de las figuras, ropas y paisaje. Sin embargo, toda la composición se caracteriza por la utilización de líneas sinuosas, como el propio cuerpo de Venus que adopta la clásica postura del contrapposto. Esta postura, por la cual la joven diosa deja caer peso de su cuerpo sobre la pierna izquierda mientras que flexiona y retocede la izquierda, se inspira directamente en la estatuaria griega, si bien, en el caso de esta figura todo el peso se desplaza hacia nuestra derecha, lo que genera la sensación de liviandad como si se desplazara sobre las olas en dirección a la orilla.
Respecto a los colores utilizados, predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, verdes, celestes, rosas y naranjas acompañados de toques dorados en las alas de los vientos. Una luz uniforme,proveniente de nuestra derecha recorre la escena y modela las figuras y el entorno sin grandes contrastes de luces y sombras.
La Creación de Adán
Ésta obra fue realizada por el pintor Miguel Ángel Buonarrotti en el año 1510. Este cuadro es un fragmento del decorado de la Capilla Sixtina del Vaticano, que se encuentra en Roma.
Esta obra es una pintura. La técnica utilizada es pintura al fresco.Esta obra es un fragmento de la bóveda de la Capilla Sixtina, es una de las escenas bíblicas que Miguel Ángel representó. Esta pintura se puede reconocer fácilmente todos los elementos que la componen. La obra consta de dos elementos principales, Adán y Dios. En la izquierda del cuadro está Adán, él está recostado, totalmente desnudo. A la derecha del cuadro, aparece Dios, él está representado sobre una nube rodeada de ángeles. En el centro del cuadro aparece la imagen de la unión de las manos de Adán y Dios, sus manos están unidas por sus dedos, ese punto es por donde se transmite toda la fuerza para darle vida a Adán. Las formas que predominan en este cuadro son formas naturales. Adán, Dios y los ángeles han sido representado de una manera natural.
También predomina la forma circular en la nube sobre la que está Dios. Miguel Ángel ha colocado estas figuras en un orden lógico, a la izquierda del cuadro está Adán recostado, en el lado opuesto del cuadro está Dios con los ángeles en los rostros de los personajes vemos cómo el autor emplea su técnica que es la terribilitá la cual está muy bien marcada en la cara del creador, mientras que en la cara de Adán vemos cómo es una cara de inocencia y puro ya que acaba de ser creado y no puede pecar. Los colores que componente esta obra son colores apagados. La gama que predomina es la de colores fríos. El color que predomina en le cuadro es el color del fondo, ese color es blanquecino, este color le da un toque de luz al cuadro, dejando el primer plano, es decir a Adán y a Dios con un contraste de luz. También predomina el color verde en la superficie sobre la que está Adán y en una especie de fular que cae de una de los ángeles que rodea a Dios. Otro color que predomina en el cuadro pero en menos cantidad es el color rojo, que está en la nube sobre la que Dios baja a la superficie también se dice que la nube en la que se encuentra el creador de trata de un cerebro ya que Miguel Ángel tenía conocimientos de anatomía humana.
LA PIEDAD (MIGUEL ÁNGEL).
La composición tiene una gran compacidad y monumentalidad. Sigue un es quema piramidal y rsalta la unidad armoniosa de las dos figuras.Para conseguir el perfil triangular requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, ajustando así mejor el cuerpo masculino. según un hipotetico eje quebrado. Comuniando asi estabilidad y reposo.
La expresión es figurativa, naturalista pero idealizada.
La primera impresión es que responde a proporciones canónicas de unos arquetipos de belleza serena y majestuosa, y estos principios son totalmente aplicables a la figura masculina, cuya desnudez permite, además, un alarde de virtuosismo en la representacion de la anatomía humana.
La mujer sin embargo, pese a tener la cabeza de igual tamaño al de la otra figura es mucho más grande y sus proporciones resultan disparatadas pero en su conjunto son convincentes.
Los signos visuales se encuentran colocados en el centro que como bien hemos hablado antes equilibran y tiene mucha estibilidad.
hay una relación de figura y fondo, ya que ambos poseen un valor similar. La línea de contorno perteneceigual a la ley de figura y fondo, por eso su situación determina una correcta composición.
Tiene una orientación y equilibrio vertical.
El material de lacual la figura esta compuesta es de mármol blanco que con el fondo negro hace un contraste el cual resalta la figura en si.
Las superrficies ofrecen un acabado exquisito con cualidades de esmalte y textura tersa, que contrastan con la base de áspera tierra.
LA ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL).
Pintura al fresco (sobre la pared) Vaticano, Roma (1509-1510). Representa una escena del mundo clásico idealidaza y su relación con la filosofía.
Tiene una composición simétrica, con un gran eje axial que, pasando entre Platón y Arisóteles, divide en dos partes el cuadro. A cada lado de él aparecen los grupos compensados.
Por otra parte, y en perfecto equilibrio, se obserba otro eje (horizontal) que recorre por las cabezas del grupo principal. La drama de líneas crea, de esta forma, una forma octogonal en donde predomina la línea recta, el ángulo recto y las formas rectángulares y semicirculares.
La línea y el color, predomina la primera. En general se puede hablar de detallismo, especialmente en los rostros y la descripción de la propia arquitectura.
En cuanto al color, como es típico de la época, se intenta compensar los fríos con los cálidos en un nuevo intento de crear armonía.
La luz natural con fines representativos ( crear volumen por medio de claroscuro ,luces y sombras). El foco cenital ( procede desde arriba) y procura distribuirla de forma homogénea, sin marcar excesivos contrastes.
Tiene un perspectova líneal creada a través de la arquitectura que nos conduce al punto de fuga central (encima de las cabezas de los dos filosofos del centro) que vuelve a insistir en la idea de símetria y armonía.
EL MATRIMONIO ALNORFINI (JAN VAN EYCK).
Este es un cuadro de pequeñas dimensiones es un retrato donde presenta en un primer plano un matrimonio de ahí su nombre. En segundo plano aparece un perro que les acompaña, una ventana abierta y un espejo de fondo donde se refleja la pareja (cosa que tuvo gran impacto).
La técnica utilizada es la del óleo sobre un pepel de roble, y un acabado con pinceladas cortas y precisas.
En la composición podemos encontrar símetria, estatica, para colocar los objetos utiliza más líneas verticales que horizontales y podemos notar un poco de geometría en las formas de la ventana y los paños acortados que caen del vestido de la señora.
Línea y color . La línea es uy fina, pero delimita los contornos y es muy detallista. Los colores de la parte derecha del cuadro son muy vivos, cálidos y reales, por el contrario en la parte izquierda predominan los colores fríos.
La luz del cuadro, es un factor importante ya que entra por la ventana que está situada al lado del hombre, y parece una luz natural, que busca dar un mayor realismo al cuadro.
Utiliza una perspectiva levemente alzada. Tiene una símetria axial y se contempla la ley de la balanza ya que tienen el mismo peso visual.
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